在《纂组英华》里记载：“清代绣画如苏绣、湘绣、蜀绣、京绣之类随处有之

北京地区从春秋战国至隋、唐、辽、金、元都极为重视桑蚕业的发展，为丝织刺绣工艺的发展提供了充足的物质基础。辽金时期刺绣业进入高峰，元代将金银绣线用于刺绣。“京绣”是在明清时期，在北京民间刺绣的基础上发展起来的地方绣种，因其专司服务于皇家，所以又称“宫绣”，以刺绣服饰、生活用品为主。由于地处皇都，京绣受到宫廷绣精工之风的影响，加上继承与改进各地刺绣工艺，特别是博采于顾绣、湘绣、苏绣，终于形成了京绣结构严谨丰满、装饰华丽的特点。

宋代江南经济繁荣，刺绣与绘画相互影响，促进了苏绣艺术水平的进一步提升，出现了各种各样的苏绣屏风

清代民间先后出现了许多地方绣，著名的有鲁绣、粤绣、湘绣、京绣、苏绣、蜀绣等，各具地方特色。其中苏、蜀、粤、湘四种地方绣被称为中国“四大名绣”。

明代刺绣以上海露香园的顾绣最为著名，影响也最大，在江南一带有着继往开来的作用，后来苏绣的兴起，可说完全继成了顾绣的传统

清代丁佩的《绣谱》以“齐、光、直、匀、薄、顺、密”七个字，准确概括了苏绣的主要特征

明清时封建王朝的宫廷绣工规模很大，民间刺绣也得到进一步发展，先后产生了苏绣、粤绣、湘绣、蜀绣，号称“四大名绣”。

湘绣在湖南民间刺绣的基础上，吸取了苏绣和粤绣的优点发展起来。清代嘉庆年间，长沙县就有很多妇女从事刺绣，光绪二十四年(1898年)，优秀绣工胡莲仙的儿子吴汉臣在长沙开设第一家自绣自销的“吴彩霞绣坊”，作品精良，流传各地，湘绣从而闻名全国。清光绪年间，宁乡的杨世焯倡导湖南民间刺绣，长期深入绣坊，绘制绣稿，还创造了多种针法，提高了湘绣艺术水平。

苏绣已有两千六百多年历史，在宋代已具相当规模，在苏州出现有绣衣坊、绣花弄、滚绣坊、绣线巷等生产集中的坊巷。明代苏绣已逐步形成自己独特的风格，影响较广。清代为苏绣鼎盛期，当时的皇室绣品，多出自苏绣艺人之手，民间刺绣更是丰富多彩。苏州刺绣，素以精细、雅致著称，绣工精细，绣线配色独具匠心，所作图案多为喜庆、长寿、吉祥之意，尤其花鸟绣品，深受人们喜爱。苏绣技巧特点可概括为“平、光、齐、匀、和、顺、细、密”八个字。针法有几十种，常用的有齐针、抢针、套针、网绣、纱绣等。苏绣绣品分两大类：一类是实用品，有被面、枕套、绣衣、戏衣、台毯、靠垫等;一类是欣赏品，有台屏、挂轴、屏风等。取材广泛，有花卉、动物、人物、山水、书法等。

苏绣历史源远流长，据西汉刘向《说苑》的记载以及在苏州附近出土的西汉绣品可以证实：2000多年前，吴国已经将刺绣用于服饰。三国时代，吴王孙权曾让赵达丞相的妹妹在方帛上绣出《列国图》，上面有五岳、海河、城邑、行阵等图案，有“绣万国于一锦”的说法。1956年在苏州云岩寺塔出土的《五代紫绛绢刺绣宝相睡莲经经帙》等四块古代经帙，运用平抢针、铺针、接针等多种针法刺绣，花叶图案淡雅秀丽又古朴大方，可见1000多年前的苏绣针法已经十分丰富并得到广泛普及。

目前，北京地区最早的有据可查的刺绣品源于西汉时期的汉墓。一个是大葆台西汉墓，另一个是老山汉墓。通过出土的实物可以初步推断西汉时期是北京地区织绣发展史上的一个小高峰。大葆台西汉墓傅物馆位于北京城南约15公里的丰台区花乡郭公庄南，是一座建立在汉代王陵遗址上的博物馆，也是一个独具特色的帝土陵遗址博物馆。1974年6月，在北京大葆台发现两座大型的汉代墓葬，经专家认定为西汉广阳国顷王刘建（前73-前45）及其夫人的陵墓。墓葬出土了400多件随葬品，其中丝织品12件，有绢类、刺绣、漆纱和组带等。其中出土的绢织物较多，有驼色、棕黄色及深褐色等。绢织物中不规则地夹有丝绵及朱砂，织得极为紧密，平滑光洁细薄如纸，是当时被称为纨素的高级平纹丝织物。有绛紫绢地刺绣片2件，绛紫色的色调沉着、艳丽，是战国以来名贵一时的“齐紫”传统染法染成的。刺绣花纹是典型的汉代藤本植物图案，单位纹样的构成由一条反S形为骨架，两端再饰以蓓蕾和花穗，是两汉规范化的装饰纹样。花纹有6种颜色，绣工很精致，在绢底上先以墨线绘出底稿，绣片全部采用锁法绣成，由于它的纹样单位较小，条蔓花叶都很纤细，所用丝线应为劈丝后的丝线，针法灵活多变，五彩缤纷，富有表现力。这是目前北京地区发现最早的织绣品实物，对于研究北京地区的刺绣业的发展有着重要的意义，坐落于苏州的苏绣博物馆就收藏了该墓的一块绣片。另外，该墓葬的地宫规模宏大，结构特殊，使用的是汉“天子之制”，即西汉皇帝御用的最高级葬具体系，这也为研究西汉诸侯王陵墓制度和西汉时北京历史提供了宝贵实物资料。它从另外一个角度告诉我们，这些织绣实物是服务于上层社会阶级使用的。此外，出土的物品中许多具有较高的工艺水平，是研究西汉中晚期政治、经济和文化发展的珍贵实物资料。

清代的刺绣业，从整体角度来说，不论是官绣还是民绣，相较于前代，都创造了空前的成就；尤其是在实用绣品方面，针法种类繁多，出现了不少精工细作。尤其值得重视的是，官用和民用技艺相互交流影响，这一时期的绣品不仅具有高超的制作技巧，也反映了清代独有的繁缛之风和异域之风，形成了实用与装饰相结合的时代风格。此时，京绣的发展受苏绣、鲁绣等地方绣种的影响也颇为显著。一方面，宫廷中设立的专门机构中有从全国招募来的能工巧匠，他们在宫廷的绣活处按照朝廷规范严格绣制御用品，日夜操劳。另一方面，来自全国的优秀绣工也集中在京师，均服务于皇亲国戚。从史料记载慈禧太后曾告谕内务府大臣，召选浙中精织绣妇女进宫教艺的记载即可见一斑。后来，光绪二十三年（1897）建立了北京农工学堂，来自苏绣的刺绣艺人沈寿就曾任清农工商部绣工科总教习，担任皇家贵族的刺绣教师，进京教绣达五年之久。这段时期，京绣的发展毫无疑问受苏绣的影响巨大。苏绣向来以“精、细、雅、洁”著称，京绣吸取了苏绣的优点，并在京绣中得到强化且发挥到极致。京绣和鲁绣同属北方地区的特色绣种，鲁绣也深深影响了京绣的发展。山东古属“鲁”，故山东刺绣品称“鲁绣”。其风格是用双股丝捻线，称“衣线”，用衣线绣成的作品，称为“衣线绣”。衣线绣以在明代最为流行，作品风格或苍劲淳朴，或精细华美，然均粗中见细，拙中寓绣。受其影响，京绣的风格更显大气磅礴。除此以外，湘绣、粤绣、蜀绣对京绣也都有过不同的影响。因此，京绣是在近代集众家之长而形成的。不仅如此，清朝政府也注重刺绣实业的振兴，在宫内和地方都有工艺局刺绣科的开办，如北洋工艺局与实业工厂、天津实业工厂、山东官办的各个工艺局，都设有刺绣科或生产刺绣。

至清代时，由于清代经济的恢复和手工业的发展，清代刺绣可视为中国刺绣发展的鼎盛时期。到了清代，尤其是咸丰、同治年间（1851-1874），服饰上的镶滚繁复甚至发展到十八镶滚，直至光绪末年，仍盛行镶滚装饰工艺。这种服饰上繁缛华美的装饰风格的流行大大加速了清代刺绣技艺的发展。基于明代的刺绣基础，清代的绣品主要有两大类，一部分是宫廷御用的刺绣品，它们大部分由宫中造办处如意馆的人绘制花样，经批核后再发送江南织造管辖的三个织绣作坊照样绣制，绣品极为工整精美。另一类是在民间先后出现了许多地方绣种，比较有名的有鲁绣、粤绣、湘绣、京绣、苏绣、蜀绣等，各具特色。而苏绣、蜀绣、粤绣、湘绣后来也被世人称为“四大名绣”，一直沿用至今，其中苏绣最负盛名。苏绣全盛时期，流派繁衍，名手竞秀，刺绣运用普及于日常生活，同时刺绣针法也有多种变化，绣工更为精细，配色更具巧思。清末民初，西学东渐，加之商品流通的频繁，使这些绣种世人尽知且耳熟能详，并在当时的市面上有一定的规模和流通，形成了一定的影响力。光绪年间，余觉之的妻子沈云芝绣技精湛，沈氏在30岁时，恰逢慈禧太后70寿辰，她精心绣制了“八仙庆寿”的八帧作品献给慈禧太后祝寿，慈禧太后看后大加赞赏，并赐“福”“寿”两字，沈云芝因此改名为沈寿。后来沈寿将西洋绘画中肖神仿真的特点表现于刺绣之中，新创了“仿真绣”。沈寿不仅继承了顾绣、苏绣传统技艺，还分类整理历代刺绣针法，并引用西方素描、油画、摄影的表现方法，创造散针、旋针等以表现物体的明暗虚实，将中国刺绣业的发展向前推动了一步。此外，1911年沈寿在年天津开设自立女工传习所，传授绣艺，组办女子师范学校传习所，培养刺绣专业人才。晚年在病中口述，由张謇笔录整理而成《雪宧绣谱》并于1919年出版问世，是中国历史上第一本关于刺绣技法的论著，总结了中国自唐宋画绣、明代顾绣以及沈寿个人所用刺绣针法和刺绣心得，并将其毫无保留地记录下来，为中国刺绣艺术作岀了卓越贡献。《雪宧绣谱》也成为后世乃至今天的人们研究和学习关于古代及近代刺绣的重要参考依据。民国以后，随着西方文化的推崇以及后来的内忧外患，刺绣业的发展未能再创辉煌，但是刺绣在中国这样一个注重服饰表面装饰的国度，有着特殊的意义和作用，其发展历程值得当下的我们去重新审视。

再如陕西扶凤法门寺地宫出土的唐代丝织品，均有一大批为织金、烫金、绣金的织绣服饰品。因法门寺博物馆的陈列所需，苏州丝绸博物馆帮助仿制了五件罗地盘金绣祭供样品。苏绣艺术博物馆曾对此进行了复原。

再如陕西扶凤法门寺地宫出土的唐代丝织品，均有一大批为织金、烫金、绣金的织绣服饰品。因法门寺博物馆的陈列所需，苏州丝绸博物馆帮助仿制了五件罗地盘金绣祭供样品。苏绣艺术博物馆曾对此进行了复原。

宋代苏州农村家家养蚕，户户刺绣，城内很多坊巷以绣线、绣花等命名，不仅有很多百姓以刺绣为生，大家闺秀也以此陶冶性情，消遣时日。当时有一种被称为“绣娘”的职业，专门教习刺绣。而绣花水平的高低在很大程度上成为衡量姑娘心灵手巧的标准。宋代江南经济繁荣，刺绣与绘画相互影响，促进了苏绣艺术水平的进一步提升，出现了各种各样的苏绣屏风。苏绣多以写生花鸟虫蝶为题材，用国画的画稿作绣本，艺术性很强。为了表现国画的晕色效果，苏绣针法多用套针，细线在套接时不露针脚，自然晕色过渡，色差非常小，套接极其细，故而显得精细雅洁。明清之际，在上海顾绣的推动之下，苏绣的风格更加鲜明，技法日臻精湛，用色高雅清淡，绣面平整熨帖，毫无生硬跳动、参差粗陋之处。

我国传统手工艺品种类繁多，其中最具代表性的是：“结”，布艺以及刺绣，它们并称为祖国的三大手工艺品。“结”是绳编饰品，它朴实无华，庄重雅气。“结”与“吉”谐音，“吉”是人类追求的永恒的主题，因此，“绳结”这种具有生命力的民间技艺自然而然的作为中国传统文化的精髓，永传不衰，流传至今。刺绣，又称丝绣，是中华民族传统手工工艺品的优秀代表之一。“四大名绣”的苏绣、粵绣、湘绣、蜀绣，其中苏州的苏绣和缂丝最为盛名。布艺，即布上的艺术，主要用于服装、鞋帽、床帐、挂包、背包以及其他小件的装饰品等。这些用手工艺品制作的生活用品不仅美观大方，还增强了布料的强度和耐磨能力。

1368年朱元璋建立明朝，明成祖朱棣于永乐十九年（1421）正式迁都北京。明朝建立以后，摆脱了异族的压迫，生产力大大提高。据《人海记》记载：“永乐初，北京四门、钟楼鼓楼等处各盖铺房，召民居住，召商居货，谓之廊房。”《宣德实录》中载：从南京迁来“二万七千户”手工业工匠至北京，设立前店后厂，自产自销靴鞋、帽子、球皂、制香、刺绣、荷包、丝织、挑花、熔炼金银等工商业品。明代管理宫廷手工艺生产的机构十分庞大，据《明史》记载，先设少府监，后改为12监8局4司，总称24衙门。其中有碾玉、销金、掐丝、牙雕、绣匠、铸匠等。明代就于京师及各地设织染局，并在南京、苏州、杭州三处各置提督织造太监一人，专掌织造各项丝织品，以供皇室消费。到了明中叶，丝织业更是有了长足发展，万历时两京和江南的一些丝织巨镇上，“肆廛（古代居民居住的一种房子）栉比，华厦鳞次，机杼声轧轧相闻，日出锦帛千计”（李培：《翔云观碑记》）。不仅如此，它们还成为商品流通主要物货之一。据吴承明先生统计：明朝，农副产品中作为大宗、重要的贩运物货（不包括政府征收、调拨的赋税货物），其中，参加长途运销的丝织品“每年可达三十万匹左右……价值在三十万两左右”。随着商品的日益丰富和流通渠道的不断扩大，当时的京城已成为重要的大都会，“天下财货聚于京师，而半产于东南……盖四方之货，不产于燕，而毕聚于燕。其物值既贵，故东南之人不远数千里乐于趋赴者，为重糈（粮食）也”。到明孝宗弘治年间（约1488），据《瓠翁家藏集》所记：北京已经“生齿日繁，物货益满，坊市人迹，殆无所容”。生产力的极大提高直接影响到织绣工艺的迅速发展，一般达官显要、绅士富商的家庭中，处处充满了刺绣用品。明代刺绣以上海露香园的顾绣最为著名，影响也最大，在江南一带有着继往开来的作用，后来苏绣的兴起，可说完全继成了顾绣的传统。除了上海的顾绣外，广东的“粤绣”、山东的“鲁绣”、北京的“洒线绣”、苏州的“蹙金绣”也各具特色。

元代时，当时元大都人将府设有文绣局，有良家女子来织绣各种日用品和服饰。元人的刺绣承继了宋代遗风但不如宋绣精致，用绒稍粗，落针不密。由于元代统治者信奉喇嘛教，刺绣除了作一般服饰的点缀外，更多地带有浓厚的宗教色彩和强烈的装饰风格，被用于制作佛像、经卷、幡幢和僧帽等。其中，西藏布达拉宫保存的元代《刺绣密集金刚像》可作为代表。另外，在元代刺绣中还发现了贴绫的做法，它使绣物更富有立体感，丰富了刺绣工艺的表达能力。进入明代，随着社会的进步，刺绣工艺得到了充分的发展。明代末年，出现了名震一时的“顾绣”“发绣”等刺绣门类。明嘉靖年间兴起的上海露香园顾氏绣就是今天传世闻名的顾绣，顾绣针法不仅继承了宋代最完备的绣法，更加以变化且灵活运用，可谓集针法之大成。它临摹刺绣古今名人书画，劈丝配色，巧妙精微，别有秘传；所绣山水人物花鸟，无不精妙，令世人赞叹。尤其利用发绣完成绘画之作可谓世界染织史上的一大奇观。刺绣艺人为了表达内心的艺术世界，穷尽巧思，在色彩的搭配、绣线的选择等各方面竭尽全力进行创作。顾绣的出现和传播对后世的刺绣业的发展具有重大的引领作用，顾绣的针法被后世奉为经典，广为传颂和学习，对后来的苏绣以及北方的绣种等都有深远的影响。

湘绣主要是以湖南长沙为制作中心的地域性刺绣品种的总称。湘绣在湖南民间刺绣基础之上，吸收了苏绣与粤绣的优点，逐步形成了自己的特色。湘绣注重写实，构图严谨，针法富有表现力，质朴优美，风格独特，有“绣花花生香，绣鸟能听声，绣虎能奔跑，绣人能传神”的美誉。长沙为湘绣的发源地，其自古就是文化名城，也是中南重镇，地处湘江尾闾，秀丽多姿的湘江纵贯其中，西倚岳麓山，东北则是浏阳河冲积平原，境内山川形胜，四通八达，地理位置可谓得天独厚。近半个世纪以来，我国考古工作者曾陆续在湖南、湖北等地发现了不少古代的麻布、锦、绢等丝织品、纺织品，其中不少是绣品。这一批批埋藏在湖南、湖北昔日楚地的光彩夺目的古绣品的出土，让我们逐渐揭开了湘绣的源流沿革以及其刺绣传统的神秘面纱。

房老师：京绣由于宫廷的原因它没有自己的独到之处，像一些有名的刺绣，如苏绣、粤绣等都有自己独特的风格。明清时期，江南三织造做的东西是一些地方性的，还有一部分是在宫里的绣作里做的，那他们带过来的就是苏绣的东西。如果说宫绣就是京绣的话，那它技法里面基本上是苏绣的东西。它不同于民间的审美风格；清代的风格就是繁复，繁复越繁复，是一种包装艺术，一种装饰艺术，与其本身异族统治有关。从文化上来说，要想把自己的东西树为正统的，它就必须吸收、继承汉族传统文化的东西。这一切是建立在保护、继承传统文化的基础上的。清军入关之后，心理、思想、审美趣味以及享乐的艺术情调，一步步随着政权的稳固在慢慢发生变化，成为一种杂糅的文化。

陈厂长认为京绣最突出的是它的典制图案，京绣的图案内容有其独特性和规范性。如意馆的画了那要拿去皇帝御批的，九条龙该在什么位置就在什么位置。所谓的规范就是指服务于宫廷等皇家对象所决定的，也就是《大清会典》里明确的记录和规定。比如说龙纹，在民间不允许用龙纹，用也只能用蟒，五爪为龙，四爪为蟒。还有凤，民间用得比较粗略、随意，不会像皇家那样讲究。又比如海水江崖这也是象征权威性，民间也是不会允许使用的。同时，图案的使用也有其阶段性，与当时社会发展的审美需求以及工艺美术的水平有相当大的关系。京绣传承着宫廷的风格，有宫廷的典范。可以说京绣是图案绣，苏绣是国画绣。

我们在茂县永和乡一带调研时发现一种类似十字绣的刺绣，绣线相互编织、交错、重叠，但又不需要数面料的经纬纱线根数，颇像苏绣、蜀绣的乱针绣，但绣线排列、交织匀称，交错的绣线如同编织的网，可形成各种块面和线条。经多方面了解，并请茂县文化馆馆长余光元先生找该地区的妇女进行调査，才知此针法被羌族妇女称为“庆青梭”（羌语），有的地区则称为编针绣。用这种针法能绣出大小花朵、叶片枝藤，并多绣于围腰上。如图7-55所示，黑色围腰上的图案用编针绣绣成，其线条匀净流畅，同等粗细的线条具有很强的装饰性。茂县松坪沟的男子要打白麻布绑腿，在白绑腿上还要捆长方形的蓝底绣片护腿，它与拴绑腿的脚带相连，蓝底绣片护腿的四角分别绣有七条弧线组成的彩虹图案，其针法也采用了编针绣。有的羌族绣品将此针法作为刺绣的辅助针法，如在表现太阳纹光芒四射的线条时，采用编针绣，以产生闪烁变化的效果。

刺绣精品在具有艺术和文化功能的同时，往往还具有收藏功能。近年来，随着刺绣艺术品商业化的形成.市场需求不断扩大，刺绣艺术品的收藏价值也开始凸显，并激起了一股刺绣艺术品投资热潮，引发藏家竞相收藏。2007年，在北京拍卖会上，苏绣版《蒙娜丽莎》以1000万元的天价成交，让收藏界无不对这些手工刺绣作品惊叹，也让世人见识了苏绣作为艺术品投资的无穷魅力。好的刺绣作品往往会从工艺品升格为收藏艺术品，京绣精品也是如此。作为皇家绣种之一，京绣有着自己独特的艺术风格和不可替代性。无论是金绣的华贵，还是绒绣的精美，顶尖的京绣作品都有着极高的收藏价值。

艺术的生命总是与创造艺术的群体结伴而生，羌族的生命就是羌绣的生命：因而我说不清楚现在的蜀绣、湘绣、苏绣等等是否与羌绣有着“本是同根生”的渊源。

借助苏绣技法的术语来表达，苏州是一座“双面绣”的城市，是历史文化与现代文明争相辉映的城市，经济愈是发展，愈是要重视古城及优秀传统文化无与伦比的珍贵价值。欣闻市委、市政府高度关注，近期把苏州桃花坞地区综合整治、保护利用列入了重要工作来规划，江苏省委常委、苏州市委书记蒋宏坤专门参观了桃花坞木版年画展，并为桃花坞木版年画传习班的学员们亲笔题词：“培养民艺新苗，学习传统艺术。”寂寞了百余年的桃花坞及桃花坞木版年画将重新焕发青春和活力。

纵观中国刺绣历史的发展演变过程，刺绣从来都不是孤立存在的。刺绣最初的缘起可能是出于实用功能的目的，在衣服的表面进行缝缀、加固。随着刺绣技艺的逐渐成熟以及刺绣品用途的广泛，刺绣逐渐成为表达人们的审美情趣和兴趣爱好的一种方式。刺绣最终由最初简单的实用目的，经过历朝历代无数人的实践尝试，一步步登堂入室，成为一门独立的艺术门类。尤其是在清代政权逐步稳定之后，作为北京地区的传统刺绣种类——京绣，也迎来了它全面发展的蓬勃时期，并达至顶峰，与当时的景泰蓝、雕漆、玉雕、牙雕、宫毯、金漆镶嵌、花丝镶嵌等技艺并称“燕京八绝”，成为北京传统文化的重要组成部分。一方面，清代中央集权的加强，来自全国各地大批优秀绣工为京绣的发展打下了坚实的物质基础；另一方面，社会风尚的流行促使京绣工艺向更高层次发展。诸多方面的合力促使京绣成长为刺绣种类的一个奇葩，在特定的历史背景下和社会环境中具有了深刻的内涵和意义。然而，进入现代化社会，刺绣工艺随着时代的发展而逐渐式微，几乎退出了历史的舞台。对于刺绣，人们耳熟能详的是“四大名绣”——“苏绣”“湘绣”“粤绣”和“蜀绣”。而号称“燕京八绝”之一的“京绣”却鲜为人知，对于京绣的历史脉络、工艺特性、艺术特色以及发展现状多年来鲜有系统、明确的论述和深入研究。今天，在作为现代传播手段的互联网上，搜索“京绣”，也未曾得到有价值的信息。历史是割不断的，长年累月的积累，岁月无声的沉淀，古老的传统京绣文化在我们的现实生活中仍旧散发着光芒。但因京绣的特殊地位以及选料、制作等方面的问题，它几乎随着岁月的流逝而退出社会的舞台。可以说，曾经辉煌显赫的京绣作为中国刺绣中独具一格的品种，它的宣传、发展和传承都处于薄弱甚至濒危状态。

李师傅：京绣就是规矩、质量好。苏绣、湘绣啊都是想怎么绣就怎么绣，京绣它不，它照着规矩来。就像盖房子一样，盖得不是唧唧呀呀的。京绣中最讲究的是公馆活，有钱人家的小姐、太太要穿好的，1949年后公馆就没有了。

绣中所用的绣线是蚕丝，蚕丝在南方叫丝，北方称绒，故有的地方也将刺绣称为“绒绣”。蚕丝可以染成各种缤纷的色彩，绣工们根据绣品的不同需要将绒团劈成细线。绣线劈的越细，绣出的作品也越细腻。《顾绣考》中称顾绣“擘丝细过于发，而针如毫”来描绘劈丝的细致。京绣在绣制时也会劈丝，但是远不及苏绣劈丝那么细，所以京绣作品中看针脚相比苏绣会明显，因为京绣更注重使用。苏绣的作品看起来有很强的光泽度，因其劈丝极细，在光线的照射下产生的效果是不一样的。京绣中常用的色系有十几种，每套色系又包括四、五种渐变色。配线时没有严格的色彩搭配标准，除去宫廷的具体要求外，绣工们全凭自己的感觉和经验绣制岀自然和谐的花纹。与南方绣种细腻写实、色彩淡雅的风格不同，从宫廷走出来的京绣自有一套固定的风格、造型和规律。京绣刺绣的层次繁复却又细腻有致，色彩艳丽而不俗媚，在华美中营造出古色古香的气氛，古韵绵长。

『苏州版』在苏州崛起并非无源之水、无根之木，而是有深厚的历史文化渊源。且听笔者由远及近、由大及小、由间接到直接的顺序来描述之。苏州，钟灵毓秀处、江南佳丽地，是中华文苑艺林的渊薮之区，是中国著名的历史地文化名城之一。苏州城两千五百余年来，历经沧桑，城址至今未变，与宋《平江图》（1229年）相对照，古城『水陆并行、河街相邻』的双棋格局基本相符，为世界罕见。历史学家顾颉刚先生称『苏州城之古为全国第一，尚是春秋之物。』苏州的文化还表现在诸如戏曲、文学、绘画、建筑、园林、手工艺等全方位领域既往取得的卓越成果。尤其是北宋著名的政治家、文学家、军事家范仲淹造福桑梓，首创府学儒，城市生活方式和社会风尚发生变化，建立了一种将文化融活、品位趣尚的传统。如果翻开《中国美术史》，就不难发现，远在南朝前后，江南一带已是绘事兴盛。名列中国绘画史的画家，沿至明清，有1200余人。其中在画史上占有重要地位的，有三国东吴的曹不兴，东晋的顾恺之，南朝的陆探微、张僧繇、顾野王，唐代的张璪、顾况、滕昌祐，南唐的顾闳中等人。入元，江南一带文人画兴起，以赵孟及『元四家』——黄公望、倪瓒、王蒙、吴镇为代表。明代，吴门画派兴起，以『明四家』沈周、文徵明、唐寅、仇英为代表。到了明末清初，又发展了诸多画派，如晚明董其昌的『松江派』、清初的『四王』——王时敏、王翚、王原祁、王鉴及『娄东派』、『虞山派』等。清初康乾时『四王』画派声势浩大，几可左右艺林。『四王』与吴历、恽寿平合称『清六家』。履其踪迹的还有『小四王』、『后四王』。元文人画、吴门画派及『四王』等在中国绘画界的影响深远久长，绵延至近现代乃至今天。木版画，是中国美术的一个重要门类。中国是发明造纸和印刷术的国家，雕版印刷不仅使文字传播更多更快，而且带动了木版画的发展。雕印版画始于宗教画，先是佛教版画、道教版画，进而向印本书籍和风俗戏曲画方向发展。明代中叶，版画艺术逐渐趋向繁荣，一些脍炙人口的大画家，除了多为托名的唐寅、仇英外，还有钱榖、丁云鹏、陈洪绶等也为插图绘制画稿。中国古代的印本书，绝大多数是用木版雕印的方法制作的，所以书中的插图也称木刻画，木刻肖像画称为『绣像』。万历时期（1573-1619年）是大明王朝走下坡路的转折点，皇上三十年不上朝，脚没出紫禁城一步，朝政暗淡无光，与康雍乾无法同日而语。然而，随着商品经济发展，商工文明萌芽出现，它却是中国古版画史上的黄金时代。形成了建安派、金陵派及徽州派、武林（杭州）派、苏州派、吴兴（湖州）派并耀争辉的局面。它们各具特色，互相影响，如徽州派自肇始之初，走的是纤丽工细的路子，而徽派刻工流寓苏州后，为苏州版画的发展起到了举足轻重的作用；又如吴兴戏曲版画精品，几乎都由苏州著名画家王文衡所绘。万历年间胡应麟在《少室山房笔丛》中记：『今海内书凡聚之地有四：燕市也，金陵也，阊阖也，临安也』，『凡姑苏书肆多在阊门内外及吴县前，书多工整，然率其地梓也』。他曾将苏州与其他地方的刻书进行比较，结论是『其精吴为最』。万历时期还是明代版画发展史上的分水岭，其间，戏曲小说版画取代宗教版画，成为版画艺苑中最鲜艳夺目的奇葩。苏州阊门一带坊间戏曲小说几乎『无绣像不成装』，彩色套印的饾版、拱花等印刷工艺也蔚然流行，绘工之精、雕版之妙、套印之美，在中国古版画发展史上具有突出地位。晚明至清初，在利玛窦（1552-1610年）、郎世宁（1688-1766年）等西方传教士和画家的影响下，基于实证主义的几何透视学开始影响我国的绘画，对中国绘画了解和掌握空间原理起到了很大作用，以至在『苏州版』上有作者特意题款『仿泰西笔法』、『仿大西洋笔意』。要说苏州人创新，大概最有特色的是在精细精致上的创新。苏州传统文化具有士人文化的显著特征，历来以精致典雅的风格而独树一帜，从古典园林、昆曲艺术、丝绸之物至手工艺术包括苏绣、缂丝、苏雕、苏扇、苏裱、苏笺、苏灯、明清家具、虎丘泥人等，无不名扬天下，雕版印刷同样如此。颇为有趣的是，康乾年间的文化专制政策『促成』了『苏州版』崛起。入清后，清朝统治者为了巩固政权，焚书禁书，不遗余力。小说戏曲类动辄因诲淫诲盗的罪名，屡遭严禁。康熙二十三年（1684），江苏巡抚汤斌一到苏州，就按照旨意颁布了《严禁私刻淫邪小说戏文告谕》。康熙于二十五年（1686）下谕：『治天下必先正人心、厚风俗；要正人心、厚风俗，必须崇经学。所有小说淫词，应严禁销毁。』同时，清内府设修书处，由武英殿提调，所刻称『殿版』，图版皆精，苏州一些版画镌刻名家朱圭等，则被罗致内廷。『失之东隅，收之桑榆』。晚明时如日中天的小说戏曲版画衰微，而苏州坊间版刻业转向朝廷所提倡的风景、人物等作品，故『苏州版』崛起。苏州地处太湖之滨，四周环水，是水文化的沃土。水性至柔顺变，故能使文事始终艰难地变换、延续在天地之间，从而创新出层出不穷让人赞叹和激动的艺术。笔者认为汤斌禁书令是『苏州版』兴起的主因之一，当然苏州相对开放的都市版画需求与皇权对西洋科学艺术的重视也是重要的原因，但禁书令是重要的标志点与转折点，也是直接原因。它使苏州的版画在明末清初从书籍刻版的主流转向康乾『苏州版』主流的阶段，接着又进入了太平天国后桃花坞年画为主流的阶段。三个阶段历历分明。『桃花坞木版年画』是一种约定俗成的名称，产生此名称的原因，是因为美术史家们最初看到的大多为清末民初桃花坞年画铺的印行之物。而它的前身『苏州版』，大多销售于历史更为悠久的阊门外至『吴中第一名胜』虎丘的『七里山塘』。清嘉道年间顾禄在其《桐桥倚棹录》一书中称：『山塘画铺异于城内之桃花坞、北寺前等处，大幅小帧俱以笔描，非若桃坞、寺前之多用版也。』山塘街和上塘画市名气很响，以至于乾隆时曾仿苏州山塘街，在北京颐和园后湖，构筑买卖街，俗称『苏州街』，一水两岸，临水列肆。这是乾隆送给皇太后的礼物，可以不出京城而游江南，皇太后常泛舟游玩，店伙均由太监充任。咸丰十年（1860）毁于英法联军，上世纪80年代已于原址复建。山塘画市，在太平天国战争时期（1851-1864年）遭炮火所毁，据说大火烧了七天七夜。繁华的山塘变成一片焦土，原来的50多家画铺只剩下寥寥几家。于是，剩下的画铺迫于生计并迁城内桃花坞，或迁徙至上海，这场大火成了分界线，将清代桃花坞木版年画分为了前、后期，后期由于社会动荡，历程更为艰难，向江南农村年画和上海小校场年画『双重转型』。『苏州版』与后世桃花坞大相径庭，那种借鉴西画技法又注重文人画传统，规模气势宏大且细刻精雕之品顿失。上海城隍庙小校场年画，则表明中国木版年画日渐被外来石印技术终结的历史。新中国建立后，新式年画和宣传画成为时代的产物。

京绣不是市场化的东西。它不像苏绣，苏绣从古至今就是市场化、民间化的东西。而京绣从一开始就是宫廷达官贵人的东西，是非常小众的、高端的。所以，材料得真金白银，或者用孔雀毛，或者蚕丝捻成的，特别贵。绣法也是这个道理。京绣绣一朵花，用料是苏绣的2~3倍。因为就这一朵花里，比如10个、20个花瓣儿，每个花瓣儿又分成好多花瓣，拼凑成一个瓣儿，这样绣出的花瓣儿就有灵活性，穿在身上也不皱，随身。苏绣是好看，但花瓣一瓣儿是一瓣儿，容易起皱。其实，你想在服装上、包上绣个花儿、孔雀什么的，那个东西就不是京绣了。所以，京绣和苏绣比起来，第一用料贵，第二绣工技术复杂、成本高。做一件作品，短的两三个月，长的三年。成本都在里面，这样就不具备大众化的基础，只能是小众的。当前，国外华裔圈大多是比较喜欢刺绣的，收藏了一些京绣。我认为，想振兴京绣，只能走收藏的精品路线。作品就是一件两件，需要保证它的唯一性。

陈厂长说过去学刺绣跟学京剧一样，叫“口传身授”，师傅怎么教，徒弟就怎么学。京绣和京剧还有一个相似之处，即京剧讲究程式化，在规定的范围内可以创新，京绣也讲究“规矩”；不像苏绣，它鼓励你去自由发挥。就像是京剧的唱腔一样，这个腔你该唱到几度就唱到几度，唱不到就是没唱好，京绣也是如此。一般情况下，如果师傅高兴了就教你一点。比如说，师傅今天心情不错，就教你绣一朵花，以后的日子你就天天绣这朵花，直到你学会为止。学习的时候规矩也很多，譬如，学绒绣的就不干金活。刺绣的师傅一般什么活都会做，但在教徒弟时，一个徒弟只教一个门类，制版的就只学习制版，绣花的就只会绣花，最后缝制的就只会缝制。一般而言，学徒期是“四年零一节”，所谓“四年零一节”就是四年零一个节气，比如说你是9月份来的，四年之后的9月过完第一个节气，你就出徒了。出徒之后，你可以留在师傅这里继续干活，这个时候你就有工钱了，一般是几个大洋。你也可以去别的刺绣作坊找活干，给别人打工。再一种情况就是自立门户，但是这是需要很多钱的，大多数人还是选择给别人干活以养家糊口。俗话说行有行规，按照行话，老板就是发活的，发活的人可以拿到整个报酬的5%，剩下的钱由绣工来分，绣工要拿这部分钱去买绣花线之类。绣工一般只相信发活的人，你要是直接去联系绣工，她一般不会听，这就是行规。它是在历史过程中形成的，不是说哪个决定的，这也是制约京绣进一步发展的一个方面。

京绣从一开始就是为宫廷服务的。民间不穿京绣，一般穿苏绣。京绣代表的是皇权，它不同于苏绣的地方就是规矩、气派，代表皇家威严。京绣从第一代传承人到现在已走过了100多年的历史，京绣作品从使用方面细分一下，其实就三类：一类是装饰性绣品，一类是民间实用性绣品，还有一类就是宫廷服装。

历史上，明清时期是中国刺绣业发展的集大成时期，尤其是清代商品绣的流通买卖等诸多因素的影响下，各地的绣种声名鹊起，南北绣种融会贯通，众多以地域来命名的绣种出现在历史的舞台上。京绣这一概念的出现约在这一时期，即清末民初时期。在《纂组英华》里记载：“清代绣画如苏绣、湘绣、蜀绣、京绣之类随处有之。不过供服御、饰妆而已。”这也是目前能够查到的史料中有关京绣较早的记载。

其中有些刺绣工艺特别发达的地区形成了固定而鲜明的艺术特色，如苏州的苏绣、湖南的湘绣、四川的蜀绣、广东的粤绣被誉为中国的“四大名绣”。中国刺绣的特色和艺术价值，直接体现在四大名绣上。